Composiciones instrumentales a partir del Clasicismo:  la macroestructura o ciclo de varios movimientos

Durante siglos, la música instrumental estuvo subordinada principalmente a la danza, al acompañamiento vocal, a las ceremonias y a las representaciones escénicas. Su función consistía en sostener el ritmo, reforzar la armonía, acompañar textos cantados o participar en espectáculos cortesanos, religiosos o teatrales.

Poco a poco, la música instrumental comenzó a desarrollarse como una forma artística autónoma. Los compositores empezaron a crear obras pensadas para ser escuchadas por sí mismas, sin necesidad de acompañar una danza, un texto o una representación teatral. Esta evolución favoreció el desarrollo de composiciones cada vez más extensas y complejas, destinadas a una escucha más atenta.

A medida que la música instrumental fue ganando autonomía, surgió la necesidad de organizar estas composiciones de gran formato. Para ello, se consolidó una macroestructura formal, es decir, una organización general en varios movimientos, y se desarrollaron distintas microformas, como la forma sonata, el tema con variaciones, el minueto y trío o el rondó.

Las grandes composiciones instrumentales de la música académica a partir del siglo XVIII utilizan habitualmente esta macroestructura dividida en movimientos. Cada movimiento tiene una función dentro del conjunto y puede organizarse internamente mediante una microforma concreta.

Dentro de la música académica distinguimos géneros musicales como la música de cámara, la música sinfónica, música religiosa o música escénica. Estos géneros se diferencian por la formación instrumental o vocal que interviene, por el espacio en el que se interpretan y por la función social o artística que cumplen.

Prácticamente todas las composiciones instrumentales (tanto de música de cámara y como de música sinfónicas) utilizan una misma idea formal: una macroestructura formal o ciclo de varios movimientos. Sin embargo, reciben nombres diferentes según los instrumentos que las interpreten y el contexto musical al que pertenezcan. Por ejemplo, cuando una obra en varios movimientos está escrita para un instrumento solista, la composición se denomina sonata. Cuando está compuesta para ser interpretada por cuatro solistas de cuerdas -dos violines, viola y violonchelo- la recibe el nombre de cuarteto de cuerda.

En cambio, cuando esta estructura de varios movimientos está escrita para una orquesta, hablamos de sinfonía. La sinfonía se interpreta normalmente en una sala de conciertos, ante un público que acude específicamente a escuchar la obra.

Si, además de la orquesta, interviene un instrumento solista que asume el papel protagonista y dialoga con el conjunto orquestal, la composición recibe el nombre de concierto. Por eso hablamos de concierto para piano, concierto para violín, concierto para clarinete, etc., según cuál sea el instrumento solista.

Por tanto, muchas de las grandes obras instrumentales a partir de la segunda mitad del siglo XVIII, especialmente durante el Clasicismo, comparten un mismo planteamiento compositivo: la macroestructura organizada en varios movimientos.

Dentro de esta macroestructura, cada movimiento suele cumplir una función concreta y presentar un carácter propio. Los movimientos de una misma obra no son piezas aisladas, sino partes de un conjunto más amplio. Suelen estar relacionados por una planificación tonal, por el contraste entre tempos y caracteres, y por una organización global que busca variedad, equilibrio y unidad.

Así, el primer movimiento suele ser rápido y presentar una estructura compleja, a menudo en forma sonata. El segundo movimiento suele ser más lento y expresivo. El tercero, cuando aparece, suele tener carácter de danza, como el minueto o el scherzo. El cuarto movimiento suele recuperar un tempo rápido y cumplir una función de cierre, muchas veces mediante la forma rondó o una forma sonata más ligera.

Cada movimiento puede tener un tempo, un carácter y una estructura interna diferente, pero todos contribuyen a la unidad global de la composición. La macroestructura organiza el conjunto; las microformas organizan cada movimiento desde dentro.

Para comprender mejor esta organización, analizaremos algunas de las microformas más importantes de la música instrumental académica.

El primer movimiento: Allegro en forma sonata

El primer movimiento suele ser el más extenso y el más importante desde el punto de vista estructural. Habitualmente tiene un tempo rápido y está escrito en forma sonata, una de las principales microformas de la música instrumental académica.

La forma sonata también se conoce como forma de allegro de sonata, porque aparece con frecuencia en los primeros movimientos rápidos de sonatas, sinfonías, cuartetos de cuerda y conciertos. Como microforma, la forma sonata define cómo se organiza el interior de un movimiento: cómo se presentan las ideas musicales, cómo se transforman y cómo regresan al final para dar sensación de equilibrio.

Forma sonata o de Allegro de sonata

EXPOSICIÓN	DESARROLLO	REEXPOSICIÓN
Se presentan dos temas principales con carácter diferente: tema A y tema B.	Los temas A y B se transforman, se fragmentan y se combinan.	Reaparecen los temas iniciales A y B, de forma reconocible.
Suelen aparecer en tonalidades distintas: por ejemplo, el tema A en la tonalidad principal y el tema B en una tonalidad cercana, como la dominante.	La música pasa por distintas tonalidades.	Ahora ambos temas tienden a reaparecer en la tonalidad principal.
Es frecuente que esta sección se repita antes de pasar al desarrollo.	Esto genera tensión, contraste e inestabilidad tonal.	Esto aporta sensación de regreso, orden y equilibrio tonal.
		A menudo se añade una coda final que refuerza el cierre.

 

La forma sonata funciona casi como una pequeña historia musical: primero se presentan los personajes principales —los temas—, después se transforman y entran en conflicto, y finalmente regresan de manera más estable para cerrar el movimiento.

a/ Aud MOZART – Serenata  “Eine kleine Nachtmusik”, K.525 (1787) (1ºmov):

La Serenata n.º 13 en Sol mayor, más conocida como Eine kleine Nachtmusik, es una de las obras más reconocibles de Mozart. Su primer movimiento presenta una gran claridad formal, equilibrio entre los temas y contrastes muy fáciles de percibir. Por eso es un buen ejemplo para introducir la forma sonata a través de una escucha instrumental de conjunto. El tema inicial es enérgico, claro y afirmativo, mientras que el segundo tema presenta un carácter más ligero y melódico.

b/ Aud MOZART – Sonata para piano nº16 (1ºmov) 

La Sonata para piano n.º 16 en Do mayor, K. 545, es conocida como la “sonata fácil”. No significa que no tenga valor musical, sino que Mozart la escribió con una gran claridad formal y una escritura más sencilla que otras sonatas. Su primer movimiento es ideal para analizar la forma sonata o forma de allegro de sonata, porque permite reconocer con bastante facilidad la exposición, el desarrollo y la reexposición en pocos minutos. Además, al estar escrita para piano solo, resulta más sencillo seguir los temas principales y escuchar cómo cambian de tonalidad.

Segundo movimiento: un contraste lírico más calmado

Después de un primer movimiento rápido y estructuralmente complejo, suele aparecer un segundo movimiento más lento, cuya función principal es crear un contraste expresivo dentro de la obra.

Este movimiento presenta normalmente un carácter más lírico, introspectivo o cantabile, es decir, con melodías amplias y expresivas que recuerdan al canto. Su tempo suele ser más tranquilo, como andante, adagio o largo, y permite al oyente pasar de la energía inicial a un clima más sereno y contemplativo.

Desde el punto de vista formal, su microforma suele ser más clara y estable que la del primer movimiento. En lugar de basarse en la tensión tonal y el desarrollo intenso de los temas, como ocurre en la forma sonata, el segundo movimiento suele organizarse mediante estructuras más sencillas y perceptibles.

 

Forma ternaria A-B-A	Tema con variaciones
Presenta una primera sección A, una sección central contrastante B y una vuelta a la sección inicial A.	Presenta una melodía inicial, llamada tema, que se repite varias veces con cambios.
La sección B introduce contraste de carácter, tonalidad, textura o intensidad.	En cada variación se modifica algún elemento musical: ritmo, armonía, acompañamiento, textura, ornamentación o carácter.
La vuelta de A produce sensación de equilibrio y regreso.	Aunque la melodía cambia, el oyente sigue reconociendo la idea musical inicial.

 

Estas microformas permiten mantener la claridad estructural al mismo tiempo que introducen variedad expresiva. Por eso son muy adecuadas para los movimientos lentos: ayudan a crear contraste sin romper la unidad general de la obra.

 

a/ Aud HAYDN – Sinfonía n.º 94 “La sorpresa” (2º movimiento):

El segundo movimiento de la Sinfonía n.º 94 “La sorpresa” de Joseph Haydn es un ejemplo muy claro de tema con variaciones.

El movimiento comienza con una melodía sencilla, regular y aparentemente tranquila. Sin embargo, Haydn introduce un famoso golpe orquestal fuerte e inesperado, que rompe de forma humorística la calma inicial. A partir de ahí, el tema se repite varias veces, pero va cambiando progresivamente.

En cada variación se transforman algunos elementos musicales: el acompañamiento, la intensidad, la textura, el color orquestal o el carácter. De este modo, Haydn conserva una melodía reconocible, pero evita la monotonía mediante pequeños cambios y sorpresas.

Este movimiento muestra muy bien cómo el Clasicismo combina claridad formal, equilibrio y sentido del humor musical.

El movimiento lento en una obra de música de cámara suele ser un tema y variaciones.

Aud HAYDN – Sinfonía n.º 94 “La sorpresa”, 2º mov. Andante 

Ejemplo perfecto de claridad estructural donde Haydn combina la previsibilidad formal del Clasicismo con toques de sorpresa, modulaciones inesperadas y un sutil sentido del humor.

El tema con variaciones es una microforma en la que una melodía inicial, normalmente sencilla y fácil de reconocer, sirve como base para una serie de transformaciones. Primero se presenta el tema y, después, aparecen varias variaciones en las que la melodía sigue siendo reconocible, aunque cambien algunos elementos musicales.

En cada variación puede modificarse el ritmo, el acompañamiento, la textura, la intensidad, el timbre o el carácter. Así, la música consigue mantener la unidad —porque seguimos reconociendo el tema— y, al mismo tiempo, introduce variedad para evitar la repetición exacta.

Un ejemplo muy conocido fuera del ciclo sinfónico son las variaciones de Mozart sobre la melodía “Ah, vous dirai-je, Maman”, una canción popular francesa que también reconocemos como la melodía de Estrellita, ¿dónde estás?.

Tercer movimiento: danza y contraste (minueto o scherzo)

El tercer movimiento introduce un carácter más ligero y rítmico dentro de la obra. En la sinfonía clásica suele adoptar la forma de minueto y trío, una de las microformas más características de este momento. Se trata de una estructura ternaria (A–B–A) organizada en tres secciones:

• • • • • Minueto (A): danza en compás ternario (3/4), de carácter elegante y moderado, heredada del ambiente cortesano del siglo XVIII.
        • Trío (B): sección central contrastante. Suele presentar una textura más ligera y cambios de carácter, dinámica o instrumentación, lo que aporta variedad al conjunto.
        • Minueto (A): se repite la primera sección (da capo), cerrando el movimiento con equilibrio y simetría.

Hacia finales del siglo XVIII, compositores como Ludwig van Beethoven transformaron esta estructura y dieron lugar al scherzo (palabra italiana que significa “broma” o “juego”) que presenta un tempo más rápido, un ritmo más marcado y un carácter más enérgico e imprevisible aunque mantiene la forma ternaria. El scherzo ya no está pensado como una danza, sino como un juego de contrastes y sorpresas para quien escucha.

a/ Aud BOCCHERINI – Quinteto op. 11 nº 5 , 3ºmov. Minueto: es una de las piezas más conocidas del repertorio de música de cámara, célebre por su gracia melódica y su elegante sencillez compuesto por Luigi Boccherini (compositor de origen italiano del siglo XVIII afincado en España) ca. 1771.

b/ Aud BEETHOVEN – Septeto en Mi bemol mayor, op. 20, 3er mov: Tempo di minuetto (1802)

Aud BOCCHERINI – Minueto del Quinteto de cuerda op.11 nº5 (análisis)

Aud BEETHOVEN – Septeto en Mi bemol mayor op.20 – 3er mov. Tempo di minuetto [1802]. El minueto ocupa habitualmente el tercer movimiento de aquellas obras (sinfónicas o de cámara) estructuradas en más de tres movimientos. En este video, el 3er mov. Tempo di minuetto comienza en el minuto 20,40

Cuarto movimiento: cierre enérgico (rondó)

El cuarto movimiento suele funcionar como un desenlace brillante de la obra. Después del carácter más complejo del primer movimiento, el lirismo del segundo y el impulso rítmico del tercero, este movimiento final introduce un tono más vivo, ligero o enérgico, que aporta equilibrio y cierre al conjunto.

Su estructura interna —es decir, su microforma— suele ser el rondó, una organización basada en la reaparición de un tema principal (A) que se alterna con secciones contrastantes (B, C, D…). Las combinaciones más habituales son:

• • A–B–A–C–A
  • A–B–A–C–A–D–A

El tema A suele ser claro, rítmico y fácilmente reconocible, lo que facilita su repetición y genera una sensación de regreso que el oyente identifica con facilidad.

A diferencia de otros movimientos, este último no busca tanto la profundidad expresiva como ofrecer un final claro, dinámico y equilibrado. En este sentido, actúa como una resolución o liberación de la tensión acumulada a lo largo de la obra.

Audiciones recomendadas

• Aud MOZART – Sonata en La mayor K.331 (3.º movimiento (*), “Rondó Alla Turca”): ejemplo muy claro de rondó, con un tema principal fácilmente reconocible que reaparece entre episodios contrastantes.
• Aud MOZART – Concierto para piano n.º 22, K.482 (3.º movimiento (*), Rondó–Allegro): muestra un final enérgico y equilibrado basado en la alternancia de secciones.

(*) Nota: La forma rondó suele aparecer como movimiento final dentro de la macroestructura (frecuentemente de cuatro movimientos en sinfonías del Clasicismo y Romanticismo). Sin embargo, en otros géneros como el concierto —por ejemplo en Wolfgang Amadeus Mozart— la estructura habitual es de tres movimientos, por lo que el rondó final corresponde al 3.º movimiento. En cualquier caso, su función es la misma: cerrar la obra con carácter conclusivo, independientemente de su numeración.

Aud MOZART – Sonata en La mayor K.331 – 3er mov. Rondó Alla turca [ca.1780]. La forma rondó ocupa con frecuencia el último movimiento de una sonata. Consiste en la alternacia simple de un tema principal A con temas o secciones contrastantes.

Aud MOZART – Rondó (Allegro) del ‘Fortepiano Concerto No.22’ KV 482

Conclusión: una arquitectura construida con sonido

El ciclo en varios movimientos, tal como lo desarrollaron los compositores del Clasicismo en sinfonías, sonatas, conciertos y cuartetos, se convirtió en una de las formas más importantes de la música instrumental académica.

Aunque estos esquemas nos ayudan a comprender cómo se organizan las obras, no debemos olvidar que se trata de estructuras flexibles. Cada compositor podía utilizarlas de manera personal, combinando equilibrio, contraste y expresión.

En conjunto, estos movimientos funcionan como las partes de una arquitectura sonora: cada uno tiene su carácter y su función, pero todos se relacionan entre sí para construir una obra coherente.

Por ello, el ciclo en varios movimientos ha permitido crear composiciones extensas capaces de mantener la atención del oyente, equilibrando variedad y unidad a lo largo del tiempo.

Esta forma de organización no surgió de manera repentina, sino que fue evolucionando a lo largo de la historia: en los siglos XVII y comienzos del XVIII (Barroco) ya encontramos obras divididas en varios movimientos con carácter contrastante; en el siglo XVIII (Clasicismo), esta organización se estabilizó y adquirió mayor claridad y equilibrio; y a lo largo del siglo XIX (Romanticismo), algunos compositores reforzaron aún más la conexión entre los movimientos, haciendo que ciertos temas o motivos reaparecieran a lo largo de toda la obra.

Un ejemplo muy conocido es la Sinfonía n.º 5 de Beethoven, donde una breve idea rítmica inicial se transforma y reaparece en distintos momentos, creando una fuerte sensación de unidad.